Emilio Vivallo

Los paisajes de Jessica Hess, a pesar de ser por definición sujetos estáticos, tienen un innegable dinamismo, una sensación de movimiento propiciada por el estudiado y cuidadoso uso de la perspectiva, punto de fuga y composición; pero también otorgada por el protagonismo que en sus cuadros tiene el grafiti, una forma de arte que por naturaleza es efímero y cambiante, y cuya presencia da a los lienzos de la pintora estadounidense un papel documental, inmortalizando el siempre cambiante paisaje urbano, capturando con una técnica exquisita el movimiento diacrónico y sincrónico de las ciudades y entornos industriales.

Hess nació en Wilmington, Carolina del norte; una ciudad que la artista describe como “la tierra de las rubias bronceadas, y bellezas sureñas” Un lugar en donde los monolíticos paisajes industriales y vibrantes grafitis que suelen protagonizar sus composiciones brillan por su ausencia, y del cual sintió que necesitaba salir si quería realizar su sueño de dedicarse por completo al arte. Para llevar a cabo este sueño, Hess estudió primero en la Universidad de Carolina del Norte, y luego en la Rhode Island School of Design, de donde egresó en 2003 con una licenciatura en Bellas Artes.

El camino después de egresar no fue sencillo, en palabras de la propia Hess “Fui una verdadera artista muerta de hambre durante mucho tiempo. Estamos hablando de no poder pagar el alquiler a tiempo, lavar la ropa en la bañera, tener trabajos de día miserables, y vivir de galletas y queso de inauguraciones. No era una de las niñas ricas de RISD (Rhode Island School of Design). Era una estudiante trabajadora que tenía la suerte de estar ahí con una beca. En los 10 años siguientes a mi graduación estuve sola y pasando hambre, pero nunca dejé de hacer arte”

Durante un tiempo se instaló en Boston, pero la falta de una escena de arte urbano potente, y el desinterés de las galerías en sus particulares paisajes la hizo buscar nuevos horizontes. El Bay Area de San Francisco fue el destino que se propuso, y fue ahí donde encontró el entorno perfecto para desarrollar todo su potencial, y encontrar un circuito de galerías dispuestos a apostar por su talento y compartirlo con el mundo.

Observando la obra de Hess en la actualidad, resulta curioso conocer que aunque los paisajes urbanos son su temática central desde que estaba la universidad, durante los cinco primeros años de su carrera no incluía el grafiti en sus cuadros; de hecho lo evitaba conscientemente, llegando muchas veces a ”borrarlo” de las construcciones que retrataba. La razón era que, aunque admiraba la escena Street art, no conocía a este movimiento desde dentro, y el incluir en su propia obra creaciones de otros artistas, le resultaba conflictivo y le planteaba una serie de dudas que no sabía responder ni podía ver resueltas por no tener a quien preguntárselas.

Con el tiempo la posición de ignorar el grafiti en sus composiciones se fue haciendo cada vez más insostenible; sentía que no estaba siendo autentica en el tratamiento de sus sujetos y que toda la situación era ridícula, así que tomó el paso e incluyó el grafiti, y en la primera exposición que hizo de su nueva obra un grafitero se le acercó y le comentó que uno de sus “tags” se encontraba entre el grafiti retratado por Hess, y para alivio de la artista estaba encantado. Básicamente le dijo que mientras estuviese bien representado, para él era un orgullo ser eternizado. Se hicieron amigos, y Hess encontró su puerta de entrada al mundo del Street Art.

Esta feliz decisión terminó de forjar un estilo inconfundible, en el que el arte callejero juega un papel central, adornando los espacios urbanos e industriales abandonados con su vibrante juego de colores, y articulando un discurso que es transversal a su obra y que básicamente elabora sobre la idea de la deconstrucción y manipulación de las estructuras por la naturaleza y/o el ser humano. “El Street art es una alteración fascinante de las superficies, un paso hacia la abstracción del tema en el mundo real incluso antes de que yo lo manipule en el estudio”

Aunque durante gran parte de su carrera, Hess se ha caracterizado por un tratamiento hiperrealista de sus sujetos, en sus trabajos más recientes ha ido introduciendo elementos “imperfectos” o “accidentes” que antes ocultaba, añadiendo un elemento nuevo que sirve de paso adelante en el proceso de abstracción de su obra que la artista ve como la evolución natural de su discurso artístico; ya no sólo se limita a retratar con fidelidad fotográfica la historia de espacios manipulados,  sino que también añade una capa de manipulación y deconstrucción en el tratamiento visual de esos paisajes, enfatizando su rol interpretativo, y fortaleciendo su voz. Una actitud inconformista que nos lleva a pensar que aún no hemos visto a la mejor Jessica Hess, una posibilidad que, teniendo en cuenta la increíble calidad de su obra a día de hoy, no puede sino llenarnos de entusiasmo por lo que el futuro le depara a su carrera. Estaremos atentos.

*Todas las imágenes propiedad de la artista. Descubre más de su obra en su sitio web haciendo click aquí

El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa fue uno de los períodos más brillantes del arte europeo, dando origen a numerosas corrientes  y subgéneros pictóricos que influenciarían y siguen influenciando la pintura y las artes visuales aún hoy. Desarrollada temporalmente a lo largo del siglo XVII, durante y después de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648) por la independencia de los Países Bajos, su eclosión y auge coincidió con la prosperidad económica de Las Provincias Unidas, que se convirtieron en el verdadero centro de Europa, liderando el comercio, la ciencia y el arte.

Quizás unas de las características más destacadas de la pintura durante el Siglo de Oro neerlandés fue la diversidad de géneros que se desarrollaron, dedicándose la mayor parte de los artistas en exclusiva a uno sólo de ellos: pintura histórica, retratos, escenas de la vida cotidiana, paisajes, pintura marítima, tierras extranjeras, y bodegones; todos contaban con sus respectivos expertos, e incluso la gran mayoría de géneros tenían subgéneros, estos también con maestros dedicados a ellos en su totalidad. Uno de los más destacados en este apartado sin duda fue la pintura floral, un derivado de los bodegones que alcanzó tal popularidad que los cuadros con esta temática se convirtieron en un elemento obligado en casa de todo ciudadano pudiente, e incluso eran buscados con fervor desde el extranjero, elevando mucho su valor.

Para entender por qué este subgénero pictórico tan específico alcanzó tal grado de éxito, es necesario comprender la estrecha relación que el pueblo neerlandés tenía con las flores, y especialmente con los tulipanes. A principios del siglo XVII el tulipán fue importado de Constantinopla, causando una sensación inmediata en una población ya muy aficionada a las flores ornamentales. No tardaron en crearse extensas plantaciones, y para el año 1630 ya existían más de 140 variedades, creadas por el método de hibridación.

Las variedades más raras llegaban a alcanzar cifras astronómicas, y la creciente demanda no tardó en convertir el tulipán en un enorme negocio, creándose en torno a su comercio un mercado bursátil propio. Fue lo que se conoció como “fiebre del tulipán”. Como todos los negocios altamente especulativos (y más aún con un bien tan volátil y perecedero como las flores) no tardó en colapsar, y en 1637 los precios se desplomaron, creando una crisis económica que obligó incluso a la intervención de los Estados Generales, quienes tuvieron que rescatar mediante subsidios a los accionistas para así evitar su ruina, aunque ni así lo lograron.

Este episodio sirve por una para ilustrar el amor que los habitantes de Las Provincias Unidas tenían por las flores exóticas, y por otra para demostrar hasta qué punto éstas constituían un símbolo de riqueza y estatus, y también-con motivo de la crisis-una alegoría de lo efímera que resulta esa riqueza. Como curiosidad, cabe señalar que durante la “fiebre del tulipán” muchas veces resultaba más barato un cuadro que representaba un ramo de flores, que el ramo verdadero.

La pintura floral tuvo como padre a Ambrosius Bosschaert el Viejo, pintor flamenco nacido en Amberes cuyo talento y precisión científica a la hora de reproducir las flores le granjearon gran fama y ayudaron a establecer los bodegones florales como un género propio. Otros nombres muy destacados que siguieron sus pasos fueron Balthasar van der Ast, Jan van Huysum, Paul Theodor van Brussel, Willem van Aelst, Roelant Savery, o Jacob van Walscapelle. Es importante notar que este género fue uno de los pocos en que destacaron artistas femeninas, Maria van Oosterwijck, Rachel Ruysch, o Simon Pietersz Verelst, fueran algunas de las exponentes más destacadas.

Técnicamente, la pintura floral holandesa hizo común el uso del claroscuro, colocando las flores de colores brillantes, sobre fondos sombríos, logrando un efecto de profundidad, casi tridimensional, que da todo el protagonismo a los bouquets. En cuanto a la composición, los ramos suelen presentar un orden cuidadoso, equilibrado cromáticamente, y con una gran fidelidad científica de cada flor individual. Este realismo sin embargo no se aplicaba al conjunto, ya que era altamente inusual contar con arreglos tan profusos en la vida real; su precio prohibitivo hacía que las flores fueran expuestas individualmente en vasijas, como las “sujeta tulipanes” de cerámica de Delft.

Por esto mismo el simbolismo de la pintura floral solía versar sobre la riqueza y la belleza, y sobre la fugacidad de éstas. Un discurso que se puede enmarcar dentro de la pintura Vanitas, y su constante recordatorio de que la belleza es tan solo un momento, al igual que-en última instancia-la vida misma. Esta significación muchas veces solía reforzarse mediante la inclusión de distintos memento mori como conchas marinas, insectos, lagartijas, o incluso relojes de arena, todos símbolos en distinta medida del inevitable fin de la vida. Un mensaje sombrío, pero a la vez vitalista, que se esconde tras la una hermosa cara, la de la pintura floral del Siglo de Oro neerlandés.